Образ Распятия в искусстве XX века: символика и особенности.

1. Концепция
2. Визуальный ряд 2.1. Пабло Пикассо — «Распятие» 1930 г. 2.2. Сальвадор Дали — «Христос Святого Иоанна Креста». 1951 г. 2.3. Сальвадор Дали — «Распятие. Гиперкубическое тело» 1954 г. 2.4. Грэм Сазерленд — 3 картины «Распятие» 1946 г.-1963 г. 2.5. Фрэнсис Бэкон — «Три этюда к фигурам у подножия распятия» 1944 г. 2.6. Марк Шагал — «Белое распятие» 1938 г.
3. Заключение
4. Библиография
5. Источники изображений

XX век стал эпохой значительных изменений и потрясений, которые оказали глубокое влияние на все сферы жизни, включая искусство.Художники, такие как Пабло Пикассо, начали искать новые формы выражения, что привело к появлению кубизма и других авангардных течений. Образ Распятия, как центральный элемент христианской символики, продолжает оставаться актуальным в искусстве XX века. Этот символ, олицетворяющий жертву, страдание и искупление, претерпел значительные изменения в интерпретации и визуальном выражении. Я попытаюсь рассмотреть то, как художники XX века переосмыслили этот образ, какие новые символические значения он приобрел и какие особенности отличают его от традиционных представлений.

Меня интересует тема религии, поэтому я решила разобрать эту тему. Работы на тему религии в ХХ веке весьма разнообразны, и для разных людей, из разных регионов, с разными жизнями образ распятия представляется совершенно по разному. Для кого-то это — личные переживания, кто-то хочет поднять проблему различных групп людей, кто-то хочет показать абсурдность и ужас насилия в целом, а кто-то просто хочет провести эксперимент и просто переосмыслить сцену распятия и столкнуть её с современной наукой. Таким образом, для меня эта тема показалась не только весьма перспективной и обширной, но ещё и очень затягивающей. Только на то, чтобы рассмотреть первую картину из примера, у меня ушло колоссальное количество времени.

Распятие Иисуса Христа символизирует жертву, искупление и надежду на спасение. В XX веке художники продолжали использовать этот образ для передачи глубоких религиозных чувств, однако они также начали исследовать его в контексте человеческих страданий и социальных проблем. Таким образом, работы таких художников, как Пабло Пикассо, Сальвадор Дали и Фрэнсис Бэкон — демонстрируют разнообразие подходов к изображению распятия, благодаря чему можно сравнить и противопоставить то, как разные художники переосмысливают традиционные символы в контексте современности, создавая абсолютно уникальные произведения искусства.

Наконец, изучение образа распятия в искусстве XX века позволяет понять, как художники реагируют на вызовы своего времени, и как они используют символику для передачи сложных идей и эмоций.

В XX веке художники использовали разнообразные техники и стили для изображения Распятия. От традиционных живописных работ до абстрактных форм, каждая интерпретация привносила что-то новое в восприятие этого образа. В большинстве в этом исследовании присутствуют работы такого направления, как:

 — Экспрессионизм, (например Грэм Сазерленд) в котором использовали яркие цвета и искаженные формы, чтобы передать эмоциональную нагрузку и страдание. — Сюрреализм, (например Фрэнсис Бэкон) в котором использовали Распятие как символ внутреннего конфликта и психических переживаний.

На первый взгляд, работа может показаться жизнеутверждающей благодаря насыщенной палитре и выразительным линиям. Однако, при более внимательном рассмотрении, становится очевидным, что Пикассо использует эти визуальные элементы для передачи боли и ужаса, связанных с человеческим существованием. Он искажает фигуры и создает тесную и напряжённую композицию, которая отражает не только личные переживания, но ещё и коллективные страдания человечества.

Таким образом, «Распятие» становится не просто религиозным символом, а мощным комментарием на тему ужаса и жертвы, скрывающимся за яркими красками.

Написана картина была в 1930-м году. Взглянув на неё мы сразу подмечаем различные силуэты и знакомые образы, запечатленные в красочные фигуры и исполненные свойственной для Пикассо манере, достаточно легко и интересно. Цветовая палитра содержит множество различных ярких цветов. Красный и желтый — являются доминирующими цветами, а зеленый и голубой дополняют и заставляют доминирующие ещё сильнее выделяться и сиять на контрасте. Помимо цветовой палитры можно выделить и сами фигуры, чьи масштабы между собой изменены и интересно переплетаются между собой.

Сам классический сюжет про распятие хоть и растворяется в этом буйстве красок и форм, однако, всё ещё достаточно хорошо читается, и сама суть, которая не такая уж яркая и красочная, появляется при более длительном изучении картины.

Если мы рассмотрим картину то заметим следующие лица: В центре располагается Иисус, которого приколачивают на гвозди маленькая фигура слева от распятия. В углу располагаются искореженные трупы разбойников. На переднем плане располагаются солдаты, играющие в карты, чтобы поделить одежду Христа между собой. Справа от Христа стоит Мария Магдалина, взывающая к богу. Перед самим Христом, стоит Дева Мария, чьё лицо выражает великую скорбь и отчаяние.

По сути «Распятие» Пикассо про страдание и боль. Художник с помощью достаточно упрощенных геометрических образов, передаёт абсурдность и ужас насилия в любом виде. Иисус тут не является спасителем. Он тут жертва насилия без святости и надежды. Картина послужила предвестником его работ о войне, в которых жестокость и боль приближаются к современным реалиям.

А вот совершенно другой пример. Тут уже распятие хоть всё ещё и передаёт боль, но сюжет куда более спокойный, умеренный и обнадёживающий.

В 1951-м году Сальвадором Дали была написана картина «Христос Святого Иоанна Креста», которая стала одним из самых запоминающихся произведений ХХ века в принципе. В отличие от традиционных изображений Распятия, Дали предлагает зрителю совершенно новый взгляд на страдание и жертву, сочетая элементы сюрреализма с христианской символикой.

Иисус Христос распят и парит в тёмном небе над водоемом и ландшафтом. Руки его вместе с крестом образуют композиционный треугольник, который так же символизирует Святую Троицу, а сама голова трактуется как образ единства. Всё это образует олицетворение жертвы направленную к человечеству от Бога. Дали не стал изображать гвозди на распятии, убежденный в том, что они испортят образ Христа который он видит. Эта идея, как он утверждает, внезапно пришла ему во сне. По этой же причине на картине отсутствуют кровь и терновый венец. Если мы рассмотрим нижнюю часть картины и обратим внимание на ландшафт и воду, то заметим что он также изобразил лодки с рыбаками, которые хорошо дополняют общий сюжет.

Картина дает некое ощущение спокойствия, трансцендентности и вечности, что только подчёркивает божественную фигуру Христа. Этой картиной Дали стремился показать не только физическую боль, но еще и духовное вознесение.

Эта картина является продолжением его предыдущей работы, которое завершает тему трансцендентности.

После посещения Нью-Йорка в 53 м году, Дали объявил о том, что собирается написать сенсационную картину. В его голове появился образ Христа, взрывающегося и гиперкубического. По его словам это будет величайшей метафизической работой этого лета. Вскоре он приступил к работе, и спустя год картина была закончена. Как сказал сам Сальвадор Дали, эта картина целиком основана на «Трактате о кубической форме» архитектора Хуана де Эрреры и определена им самим как «метафизический трансцендентный кубизм».

В первую очередь в наши глаза бросается сам крест, который образован восьмигранным гиперкубом, являющимся отражением четырехмерного мира. На самом Иисусе, как и в прошлой его работе, отсутствуют гвозди, терновый венец и кровь, передавая тем самым совершенное искупление. А сама картина демонстрирует утверждение Дали о том, что два, совершенно противоположных друг другу мира науки и религии могут сосуществовать. Рядом стоит Гала, окутанная в золотую и белую одежду, смотря на распятие. Вдали виднеются очертания гор, а сама Гала, скорее всего стоит на чём-то похожее на большую шахматную доску, в человеческий размер.

С обращение к классическому наследию, Дали добавил картине элементы мистицизма, изображая распятие в эпоху современной науки и завершая свою тему, которую он начал в картине «Христос святого Иоанна Креста». Художник совмещает четкую геометрическую форму с вытянутым телом страдающего христа, рождающее особое напряжение картины, передавая тем самым бездушие и холодность этого мира.

Помимо этого стоит отметить то, что выполнено это всё в классической технике и по академической формуле, что делает её одной из самых значительных религиозных произведений в классическом стиле.

В заключение можно сказать что картина Сальвадора Дали «Распятие. Гиперкубическое тело» представляет собой уникальное сочетание религиозной символики и научной концепции, что является характерной чертой творчества художника. В этом произведении Дали переосмысляет традиционное изображение распятия, помещая его в контекст гиперкубической геометрии, что создает ощущение многомерности и абстракции.А центральная фигура Христа, распятого на кубе, символизирует не только страдание, но и трансцендентность, подчеркивая идею о том, что физическая реальность может быть лишь одной из многих.

Картины Грэма Сазерленда, созданные в период с 1946 г.-1963 г., представляют собой достаточно эмоциональные произведения, которые отражают послевоенные настроения и экзистенциальные переживания. Визуально работы отличаются выразительной абстракцией и искажением форм, что создает ощущение напряженности и страдания.

Первое распятие, датированное 1946 годом, принадлежит к художественным движениям экспрессионизма и сюрреализма и является заметным произведением в жанре религиозной живописи. Картина выполнена в холодных умеренных тонах. Благодаря резким теням и драматическим линиям подчёркивается боль и страдания Христа. Его фигура изображена в состоянии агонии, с искаженными пропорциями и резкими линиями, что подчеркивает физическую и духовную боль. Фон использует приглушенные цвета и поделен на геометрические фигуры, благодаря чему добавляется мрачный и серьезный характер сцены.

Второе «Распятие», датированное 1947-м годом, тоже считается частью экспрессионизма. В этом произведении фигура изображена острыми треугольными формами (как вся картина и композиция в целом). Приглушенный синий сменился на насыщенный тёмно-зелёный. Тут уже более акцентно выражена «кровавость», нежели как в первой версии, но всё ещё используется фигурность. Эта картина всё так же старается передавать боль и агонию от распятия. Треугольная композиция, как будто бы тянет тело вниз, усиляя болезненность и ощущение от казни, подчеркивая суровость сцены, а треугольные формы передают само ощущение остроты в картине. Ну и наконец тёмно-зелёная палитра дополняет общую мрачную эстетику произведения искусства.

В целом, три «Распятия» Грэма Сазерленда представляют собой эволюцию его художественного видения и подхода к теме страдания. Каждая работа уникальна, но вместе они создают целостное представление о том, как искусство может отражать и передавать человеческие переживания и ощущения.

А вот, например, совершенно другой подход к распятию, где даже не изображается напрямую само распятие, или другие религиозные символы. Это «Три этюда к фигурам у подножия распятия», написанные британским художником Фрэнсисом Бэконом.

Сами образы искажены и едва напоминают людей. Всё это потому что по своей натуре это не люди а по сути трансляция эмоций чувств и состояния, максимально полно и отчетливо выражая боль, отчаяние, гнев и негодование. Бэкон сознательно избегает красивости. Его цель как художника всегда попробовать зрителя ощутить шок и хрупкость жизни. Это и не обошло эту работу. В картине «Три этюда к фигурам у подножия распятия» Бэкон создаёт религиозные образы предположительно Девы Марии, Магдалины и Иоанна, но полностью выворачивая и искажая сцену. Вместо людей — это некие гуманоидные тела «мясо», главная цель которых передать именно эмоции и ощущения. Боль, крик, оскал. Немного напоминает сюжет «распятия» Пабло Пикассо, и не стоит отрицать тот факт, что Френсис Бэкон любил работы Пикассо и не раз ими вдохновлялся их брал их как пример в своей ранней живописи.

Однако, эту картину можно ещё интерпретировать немного по другому. В этой версии религиозный сюжет является лишь отсылкой в названии, а сам сюжет о жизни самого Френсиса. А конкретно о том, что три фигуры на картине являются членами его семьи. Справа — его отец, не принявший его. Он кричит, лишь доставляя боль и передавая злобу. Слева — его мать, молча наблюдающая, склонив голову, никак не помогая и не меняя ситуацию. А посередине — он сам. Оскалившийся, и словно стоя на подставке, на всеобщее обозрение, находящийся между двух этих, казалось близких ему фигур, но никак ему не помогающих.

Таким образом для самого Бэкона христианская символика стала инструментом, с помощью которой он переносит личную историю на холст. В его видении Распятие — наказание за «инаковость», а сам сюжет — отсутствие искупления, и лишь боль и страдания.

«Белое распятие» Марка Шагала, датированная 1938 г. — является одной из самых лучших и трагических его работ. Будучи евреем, Марк Шагал глубоко переживал за политическую обстановку в Европе на тот момент.

Занятно то, что, будучи евреем, художник выбрал образ распятого Христа в качестве главного символа трагедии еврейского народа. На голове у Иисуса вместо тернового венца написан талес, элемент молитвенного облачения иудеев, а у его ног горит семисвечник-минора.

В нижней части креста Шагал изобразил сцены нацистких бесчинств, в то время как в верхней части картины находятся ветхозаветные персонажи, которые плачут от ужасов, за которыми они наблюдают. Фигура странника в зелёном облачении обычно интерпретируется как пророк Илья, а корабль-ковчег символизирует надежду на спасение. Также на картине можно заметить красные флаги коммунистов и флаг ещё независимой Литвы.

Особенно трагична сцена в левом нижнем углу, где изображён еврей с распростёртыми руками. На его груди находится белая табличка, которая раньше содержала надпись на идише: «Я еврей». Однако Шагал решил её закрасить, как и свастику на рукаве нациста, сжигающего синагогу.

Белый цвет, преобладающий в картине, создает атмосферу чистоты и духовности, но одновременно вызывает ассоциации с пустотой и утратой. Это подчеркивает экзистенциальные вопросы, которые волнуют художника: о смысле жизни, страданиях и поиске надежды в условиях глобальных конфликтов и социальных изменений.

Картина Марка Шагала «Белое распятие» 1938 года представляет собой уникальное сочетание традиционного религиозного символизма и личной интерпретации художника. В этом произведении Шагал использует образ Распятия не только как символ жертвы и искупления, но и как отражение страданий, тревог и надежд его народа и личной религии.

В заключение стоит сказать что образ Распятия в искусстве XX века стал многогранным символом, который отражает не только религиозные идеи, но и личные, социальные и политические вопросы. Художники этого периода использовали разнообразные стили и техники, чтобы передать сложные эмоции и идеи, связанные с темой страдания и искупления. Таким образом, Распятие продолжает оставаться актуальным и значимым образом в современном искусстве, открывая новые горизонты для интерпретации и понимания даже сейчас.