Человечество с давних времен занималось развитием новых методов создания искусства. Начиная с ручной репродукции и заканчивая переосмыслением старых работ в нечто новое, основанное на личной рефлексии под влиянием времени и обстоятельств. Изменению подвергалось не только искусство, но и отношение к нему среди людей. Искусство перетекло из «высокого» в «умное», а потом в доступное под влиянием новых технологий.
Возможность делать фотографии открыло новую возможность в реализации своего творчества. Со временем процесс создания фотографий претерпевал изменения в лучшую сторону, делая их доступнее, проще в освоении и приобретении, что постепенно вело к общедоступности к этому инструменту. Благодаря технологиям, порог вхождения в создание своего творчества сильно понизился, что привело к его стремительному развитию. Вальтер Беньямин в эссе «Искусство в эпоху его технической воспроизводимости» (1935) ввёл понятие «ауры» — уникального присутствия произведения в конкретном месте и времени. Ручная репродукция ещё сохраняла эту ауру: каждая копия несла след мастера, ритуала, культа. Фотография же разрушила ауру — произведение оторвалось от места, от культа, от элитарного опыта. Беньямин различал культовую ценность (Kultwert), где искусство служит ритуалу и религии, и экспозиционную ценность (Ausstellungswert), где оно становится публичным дискурсом, доступным для критики и политического переосмысления. Фотография — первое искусство, полностью построенное на экспозиционной ценности. Именно это открытие сделало возможным творчество Энди Уорхола.
Человечество всегда искало новый подход к реализации и донесению своих мыслей. Конечно, это было связано с временем и общественной жизнью в тот или иной момент. Один из примеров — Энди Уорхол. В XX веке произошёл пик переосмысления творчества благодаря ему: многие его работы являлись репродукциями повседневности или чего-то устоявшегося, поэтому они были общедоступными и прозрачными почти для каждого человека, его творчество заимело большой вес в культуре из-за понятности высказываний. Для того времени такой подход был нужен и являлся новым. Беньямин считал, что технология репродукции произведёт положительное влияние на общество, изменив предназначение искусства в сторону экспозиционной ценности (выставить на показ и быть актуальным из-за вложенных политических или социальных подтекстов). Идеи Уорхола, его вклад вдохновили многих людей на создание подобного или иного творчества, что сильно повлияло на искусство в будущем. Если Беньямин писал о потере ауры, то Уорхол показал, что при массовом тиражировании сама идея «оригинала» становится вопросом. Его студия The Factory (1963–1987) была настоящей индустрией искусства: помощники производили работы, а Уорхол ставил штамп авторства. Это новый образ авторства — художник становится дизайнером, а не исполнителем.
В наше время появилось огромное количество выставок, реализованных с максимально разным подходом, благодаря течению времени, развитию технологий, которые открывают путь к реализации самых разных проектов, и вкладу в переосмысление творчества в прошлом. По наблюдениям, выставочные работы сейчас подразумевают под собой внедрение в определённые темы, их изучение и способность рефлексировать для человека, который хочет оставаться интеллектуальным.
Индивидууму нужно разбираться в предмете, который затрагивает творчество автора, иначе зрителю/посетителю не удастся понять посыл работы, над которой корпел её создатель. Творчество перестаёт быть развлекательным, оно затрагивает важные темы настоящего времени или предполагает новый взгляд на установившиеся идеи прошлого, которые требовали трансформации из-за вынужденных обстоятельств нынешнего положения вещей в мире. Такой расклад или подход к творчеству делает его актуальным и более «жизненным» для каждой единицы общества, так как каждый найдёт ту работу, что откликнётся в нём. Это наша нынешняя культурная индустрия творчества.
Культурная индустрия творчества превращает работы в одну большую типологию, как типологии промышленных объектов (водонапорных башен, доменных печей, шахт) у Бернда и Хиллы Бехер. Бехеры фотографировали промышленные объекты в строго одинаковом формате: фронтальный ракурс, пасмурное небо, отсутствие людей. Их «типологии» — не документалистика, а архив знания. Каждый объект индивидуален, но вместе они образуют систему, где различия становятся значимыми. В то время как у фотографов количество перерастало в качество, сейчас количество огромно, но зачастую стандартизировано, что позволяет найти похожие друг на друга работы. Как такое положение вещей влияет на зрителя? Из-за появления всё новых способов создать «искусство», они становятся всё менее впечатляющими для обычного наблюдателя, коих большинство. Зритель становится всё более пассивным наблюдателем, даже принимая активное участие в создании искусства. Индустрия предоставляет возможность художнику показать свои работы, выразить своё мнение, которое имеет вес только для самого автора по определённым причинам: лишь малое количество артистов/художников/лицедеев понимают и разбираются в своём направлении, остальные создатели/креаторы, если и пытаются донести свою идею, она оказывается посредственной, слишком «умной» или совсем бьющей мимо основной темы, что заставляет зрителя заблуждаться, теряться либо неправильно понимать идею из-за неправильно сформированной призмы автора, который через неё доносит до зрителя мысли и смыслы. Какие качества работы ценятся сильнее: индивидуальность, необычный подход/исполнение или сама мысль/донесение? Из-за большой вариативности и количества возможностей зачастую творцы делают упор на что-то одно: создают произведение зрелищным или глубоким.
Рынок работ заполоняет всё растущий поток людей, решивших реализовать свои мысли с помощью неисчислимых технологий для их создания. Является ли это положительным рядом вещей? Конечно, да, ведь таким образом появляется большое количество уникальных работ. Но поток огромен, как и количество инструментов, а им пропорционально низок порог входа.
В 90-х Дэмиен Хёрст создал новый метод создавать картины, разливая краску на вращающийся холст, тем самым создавая неповторимые узоры. Посетители могли принять участие в создании таких произведений, они выбирали цвета, которые будут использоваться. Если зрители создавали картину, то в чём здесь участие самого автора? Дэмиен Хёрст придумал метод, которым позволил воспользоваться людям, но при этом за авторством каждой картины стоит он. Таким методом художник затронул немаловажную вещь: даже если художник не принимает участия в создании своего творчества — это всё равно будут его работы. Постепенно индустрия превращает любое действие в демонстрацию искусства.
Возникновение быстропотребляемых ресурсов благодаря интернету является продолжением логики культурной индустрии по Адорно и Хоркхаймеру. Алгоритмы рекомендаций, вирусный контент и арт-рынок заставляют потребителя ничего не делать, начинается пассивное потребление всего, чего дают. Зритель, казалось бы, имеет силу влиять на тренды, но на деле тренды заставляют зрителя меняться.
Искусство может преследовать различные цели: познание нового, развлечение или служить связующим коммуникатором между автором, его словом о социальной проблеме/событии и обществом. Всё большее количество работ превращается из развлекательного формата в познавательный или псевдоразвлекательный. Каждый художник, творец старается донести свои умные или не очень мысли с помощью всё более изощрённых способов, чтобы понять которые нужно обладать знаниями по обсуждаемой теме, что обременяет человека на её изучение. Это стало новым развлекательным форматом, который способен выполнять несколько функций одновременно — давать знание и занимать время. Такой подход всё ещё положительно влияет на аудиторию, но лишь в том случае, если он выполнен правильно, что из-за его сложности исполнения стало редкостью. Знания, получаемые после созерцания такого вида искусства, могут поддаться рефлексии, если автор хоть немного сумел донести свою мысль до людей.
