искусство для концепций

Так говорил Андерсон, когда утвердил премию Loewe Foundation Craft Prize, с помощью которой поощрял и продвигал молодых или забытых художников.

Когда я только начала погружаться в модную индустрию и общаться с людьми, которые работают в ней уже несколько лет, я часто слышала о важности насмотренности не только в моде, но и в других сферах искусства. Со временем я поняла, что именно широкий визуальный опыт помогает формировать уникальный взгляд и создавать проекты, которые способны выделяться в современном визуальном пространстве.

Современный зритель ежедневно сталкивается с большим количеством визуального контента, поэтому требования к эстетике и оригинальности проектов становятся все выше. Именно поэтому специалистам в модной индустрии важно развивать насмотренность и изучать искусство, чтобы находить новые идеи, необычные визуальные решения и создавать проекты с собственным характером.

1. Введение
2. Концепция
3. Методы использования искусства 3.1. Повторить сюжет 3.2. Поставить фоном 3.3. Перенести на вещь
4. Заключение

В этом визуальном исследовании я рассматриваю, каким образом деятели модной индустрии используют современное искусство как источник вдохновения для создания новых концепций, а также анализирую собственные методы поиска идей через обращение к художественным практикам.

Эта работа вышла как самостоятельно составленный гайд: я составила собственную типологию, на которую каждый желающий сможет опираться при создании собственного творческого проекта.

Актуальность этой темы связана с постоянным поиском новых источников вдохновения в профессиональной среде, где креативность является неотъемлемой частью работы. Вопрос о том, где находить идеи для будущих проектов, остается особенно значимым для игроков индустрии. Я считаю, что вдохновение следует искать в смежных областях, и искусство является одной из наиболее глубоких и содержательных сфер для этого. При этом ценность представляет не только само произведение, но и биография художника, его идеи, мировоззрение и культурный контекст, что позволяет создавать более осмысленные и концептуально выстроенные визуальные решения.

В основе исследования лежит как изучение работ художников различных направлений современного искусства, включая абстрактный экспрессионизм, сюрреализм, поп-арт и другие направления, так и изучение кампейнов разных брендов, обложек журналов и других творческих проектов в модной индустрии. Особое внимание уделяется тому, как элементы искусства, а именно, визуальные приемы, философия, эмоциональная выразительность и личность художника, находят отражение в работах коллег.

В качестве одного из примеров можно отметить рекламную кампанию Calvin Klein 2017 года, где фоном выступила работа Энди Уорхола «Освещая тени» (1978–1979 года). И это всего лишь один из возможных методов интеграции искусства в модную среду.

Так, в ходе этого визуального исследования мной было выявлено несколько типичных методов использования искусства в создании съемок, что может служить практическим ориентиром и своеобразным гайдом при разработке собственных концепций. Эта работа доказала, что работы различных художников могут служить основой как для создания абсолютно оригинальных съемок, так и для разработки проектов с явными визуальными или концептуальными отсылками к конкретным произведениям искусства.

Одним из способов обращения к искусству в проектах является воспроизведение сюжета: работа художника интерпретируется через адаптацию сет-дизайна, костюма, модели (кастинг), макияжа и других визуальных элементов.

Это действительно так. В 1999 году Маккуин отослался на метод работы Джексона Поллока, хаотично разукрасив (с помощью роботов) платье прям на подиуме.

В работе выше отсылки к Рене Магритту выражаются через фон, закрытое лицо модели и костюм.

Проект «Subway Riders» представляет собой оммаж к работам Синди Шерман. Я с коллегой разработали типологию персонажей московского метро, переосмысляя подход художницы, которая в своих работах исследовала типажи пассажиров в автобусе.

Синди Шерман вдохновлялась также и Рэй Кавакубо — основательница бренда Comme des garcons.

В подобных случаях работа художника адаптируется через различные визуальные элементы: сет-дизайн, костюм, кастинг моделей, макияж, свет, композицию кадра и другие художественные приемы.

Использование работ художника в качестве фона, один из самых простых и одновременно сложных приемов. Сама идея довольно очевидная, но на практике возникает много вопросов: почему выбран именно этот художник и эти работы, насколько они соответствуют концепции съемки, и как договориться с автором или правообладателями работ на этот проект.

Раф Симонс стремился подчеркнуть, что джинсы Calvin Klein являются частью поп-культуры, поэтому в кампейне были использованы работы Ричарда Принса, Стерлинга Руби, Энди Уорхола.

Такой кампейн я предложила реализовать российскому бренду Ouvert.

Перед этим была сформулирована и уточнена ролевая модель бренда: его ключевая особенность — образ девушки, органично существующей в контексте искусства.

Кампейн на фоне картин Эрика Булатова хорошо отражает ролевую модель, а также отдает дань уважения российскому художнику.

Еще один кадр этого кампейна.

Через обращение к искусству бренд может транслировать свою интеллектуальность и ориентированность на аудиторию, склонную к более глубокому и нестандартному восприятию.

Для дизайнеров одежды также существует довольно простой способ работы с искусством — перенос образа или элементов произведения на предмет одежды. Так, сама вещь становится оммажем искусству.

Сам Энди Уорхол стал произведением искусства.

В 2014 году Manolo Blahnik обратился к работам Рене Магритт, перенеся сюрреалистические мотивы художника на дизайн обуви.

Еще раньше, в 1991 году, Moschino использовали картину Роя Лихтенштейна «Девушка с бантом в волосах» в дизайне пиджака. Впоследствии эта вещь стала культовой среди модников.

Переносить искусство в дизайн вещей можно разными способами: от прямого использования произведения в качестве принта до более тонких отсылок через отдельные детали.

По итогам этого визуального исследования удалось выделить три основных метода использования искусства в модной индустрии: воспроизведение сюжета, использование произведения в качестве фона и перенос художественной работы на вещь.

В ходе анализа стало очевидно, что современное искусство играет важную роль в формировании визуального языка модной индустрии. Дизайнеры, фотографы, стилисты и арт-директора регулярно обращаются к художественным практикам как к источнику вдохновения, переосмысляя произведения искусства в контексте fashion-проектов. При этом заимствуется не только визуальная составляющая работы, но и ее атмосфера, эмоциональная выразительность, философия и культурный контекст.

Также исследование показало, что искусство может использоваться в проектах как напрямую — через буквальное цитирование произведений, так и более тонко — через отдельные детали, цветовые решения, композицию, стилистику или настроение. Благодаря этому fashion-индустрия создает более сложные, концептуальные и визуально выразительные проекты.

Творчество современных художников продолжает оставаться важным источником вдохновения для индустрии моды. Многие дизайнеры и арт-директора, включая Раф Симонс и Джонатан Андерсон, неоднократно подчеркивали тесную связь искусства и моды, используя художественные практики как основу для создания коллекций, рекламных кампаний и визуальных концепций.